Pannie Thời trang và nghệ thuật, theo nghĩa đen, dường như là hai lĩnh vực không thể so sánh được với nhau, thời trang mang tính thế tục hơn và nghệ thuật có xu hướng cao quý hơn. Mối quan hệ giữa chúng giống như cây và nước, việc nuôi dưỡng cây không thể tách rời việc tưới nước, và nước cũng cần sự phản chiếu của cây để chứng minh sự trong sạch của nó.
Mục lục
Bàn về thời trang và nghệ thuật Phần 1
Trong ngành công nghiệp thời trang, một số người nói rằng sự giao tiếp sớm nhất giữa thời trang và nghệ thuật bắt đầu từ sự hợp tác huyền thoại giữa nhà thiết kế thời trang Elsa Schiaparelli và nghệ sĩ Siêu thực Dali. Trên thực tế, mối quan hệ phức tạp giữa thời trang và nghệ thuật thậm chí còn sớm hơn thế này.
Nguồn gốc của khái niệm thời trang
Khi “thời trang” được phân biệt với “trang phục”, “trang phục” được coi là một khái niệm chung về việc mặc quần áo vào một thời điểm nhất định. Mặc dù thời trang cũng được sản xuất từ thời cổ đại của chúng ta, nhưng sự phát triển của thời trang vẫn được phương Tây ưu tiên, nơi xác định phong cách và sự chấp nhận của nó.
Khái niệm thời trang bắt nguồn từ những thay đổi cơ bản trong nghệ thuật phương Tây vào giữa thế kỷ 19. Kể từ khi thời trang hình thành một hệ thống, quần áo đã phụ thuộc vào các mô hình sản xuất, đại diện và tiêu dùng cụ thể, có liên quan đến các cấu trúc tương tự xuất hiện trong quá trình sáng tạo và kết xuất các tác phẩm nghệ thuật. Khi ngành công nghiệp thời trang Paris ra đời ở Pháp vào nửa sau của thế kỷ 19, thời trang ra đời.
Nó được kích thích bởi nền kinh tế hiện đại, giới trung lưu bắt đầu đòi hỏi sự thay đổi liên tục về kiến thức và thẩm mỹ. Tuy nhiên, không phải trước đây khái niệm thời trang không tồn tại mà thời đó đã hạn chế thuật ngữ này để chỉ việc sản xuất trang phục theo một nhịp điệu mùa nhất định.
Một số lượng lớn sản lượng đủ đến sự xuất hiện của quần áo trong xã hội, và có thể được xuất khẩu. Sau đó chúng được tiêu thụ theo quy định của pháp luật. Ngược lại, sau Cách mạng Châu Âu 1830-1848, nghệ thuật, thông qua việc thiết lập một nền văn hóa tư sản, không còn chịu sự độc tài của các bè phái hay chế độ quân chủ chuyên chế. Mà nó được coi là một hình thức tự trị cá nhân đối với công chúng. Theo cách hiểu này, do nền tảng của kinh tế xã hội Tây Âu, thời trang và nghệ thuật có một nguồn gốc chung.
Năm 1868, việc thành lập “Hiệp hội thời trang cao cấp Paris” đã cung cấp các hướng dẫn cho việc sản xuất và quảng bá thời trang cao cấp. Theo quan điểm của sự tiến bộ của công nghệ tái tạo nghệ thuật, việc thành lập các bảo tàng (chẳng hạn như Bảo tàng Louvre ở Pháp), mở các phòng trưng bày thương mại ở thủ đô nước Pháp, thị trường nghệ thuật đã mở rộng đáng kể trong cùng thời đại. Sự kết hợp của thời trang và nghệ thuật đã phá vỡ những hạn chế về sử dụng tư nhân, cho phép công chúng thưởng thức và có thể tiêu thụ chúng.
Tranh sơn dầu không còn chỉ là những bộ sưu tập trong phòng khách của tầng lớp tư sản cao cấp. Thời trang không còn chỉ là những bộ quần áo mặc ở nhà cá nhân nữa. Tất cả đều được vẽ trong môi trường thương mại. Đặc biệt là việc tiêu dùng thời trang, một phần phổ biến nhất của xu hướng xã hội, đã tạo ra một tuyên bố công khai cao đối với nghệ thuật và quần áo.
Sự khác biệt đáng kể nhất giữa nghệ thuật và thời trang là thái độ đối với lịch sử
Nghệ thuật nhìn vào truyền thống lịch sử của chính nó, và quan trọng hơn. Về mặt ghi chép lịch sử, nghệ thuật được sử dụng như điểm chính của sự cọ xát và tương phản giữa các thời đại. Nghệ thuật lịch sử bao gồm thần thoại hoặc những câu chuyện có ý thức. Trong bối cảnh truyền thống, nghệ thuật có thể được minh họa, thảo luận và đánh giá lại. Lấy lý thuyết tương đối lịch sử của hội họa hàn lâm làm ví dụ, phong cách hoặc chủ đề được trích dẫn và nó được phản ánh một cách có chủ ý trong tay nghề thủ công.
Trang phục trong các bức tranh lịch sử châu Âu thế kỷ 19 thường được định hình lại và sơn lại cho phù hợp với quá khứ của những lý tưởng đương đại. Ví dụ, đối tượng là một người mặc áo choàng La Mã được mô tả như kiểu tóc đương đại. Còn khuôn mặt và cơ thể của đối tượng trong bức tranh này tuân theo các khái niệm hiện đại, thay vì dựa vào bất kỳ dấu hiệu khảo cổ học nào để vẽ. Những người đánh giá cao hiểu rằng không thể để loại tác phẩm nghệ thuật này có tính xác thực lịch sử. Nhưng đồng thời hy vọng rằng các họa sĩ hoặc nhà điêu khắc có thể truyền tải tinh thần của quá khứ và sự giải thích của hiện tại.
Đối với thời trang, sự cần thiết của thời trang là hoàn toàn đương thời và luôn phải được chú ý. Trang phục trên sân khấu có thể cố gắng gợi lên tính chính xác của lịch sử. Nhưng trong ngành thời trang, việc tạo ra một bộ quần áo phải vượt qua bản sao lịch sử và trở thành một phần của hiện tại. So với nghệ thuật, thời trang không mong đợi phù hợp với ý tưởng phản ánh, hoặc phù hợp với tính xác thực và hoàn chỉnh.
Thời trang, như một biểu tượng của phong cách và hình ảnh, đã được đưa ra một quan điểm lịch sử tự do. Thiết kế của quần áo hoặc phụ kiện có thể được trích dẫn tùy ý, nhưng nó sử dụng một diện mạo cụ thể trong lịch sử truyền thống. Chẳng hạn như cắt tay áo hoặc vòng eo, và có thể được kết hợp hoặc tích hợp một cách có chủ ý và lịch sử không thay đổi.
Trong thời trang, sự khơi dậy của các giai đoạn lịch sử là tức thì. Nhưng nó không nhất thiết phải đúng. Tác động trực quan và tính linh hoạt của thời trang về chất liệu và hình thức luôn được ưu tiên hơn độ chính xác lịch sử. Lịch sử được lọc bởi tính hiện đại trong thời trang, và được cập nhật liên tục nên rất dễ bị biến đổi.
Sự khác biệt đối với lịch sử không chỉ về tư duy vật chất
So với thiết kế trang phục, thời trang phải tồn tại trên thị trường đương đại. Về chi tiết lịch sử không thể coi là hoài niệm, phô trương mà tính nghiêm túc của nghệ thuật phải liên quan đến lịch sử. Thời trang linh hoạt có thể hấp thụ vẻ đẹp nghệ thuật của Platon (tức triết học).
Trong văn hóa phương Tây, thời trang sử dụng trạng thái phóng đại để được ban tặng cho nghệ thuật tốt, để đạt được vốn văn hóa của sự sáng tạo. Khi thiết kế thời trang cho thấy nó đề cập đến một phong cách nghệ thuật nhất định, chủ đề hoặc đề cập đến một tác phẩm cụ thể, danh tính của nghệ sĩ và giá trị của tác phẩm cũng sẽ được chuyển sang thiết kế thời trang trong quá trình này.
Một vài tác phẩm kết hợp giữa thời trang và nghệ thuật
1.Nghệ sĩ chuyển sang thiết kế thời trang
Ví dụ, Giacomo Balla, họa sĩ tương lai nổi bật nhất người Ý, đã trích dẫn các bức tranh của ông trong trang phục nam giới.
2.Sự hợp tác giữa nhà thiết kế thời trang và nghệ sĩ
Elsa Schiaparelli (Elsa Schiaparelli) và họa sĩ Dali, nhưng sự xích mích giữa hai người họ trong lần hợp tác “váy tôm hùm” cũng bộc lộ tầm nhìn của nghệ sĩ và ý định của nhà thiết kế chắc chắn xung đột. Động lực làm việc của nghệ sĩ là tạo ra một vật thể hoặc hình ảnh vượt qua xu hướng và vượt thời gian, trong khi nhà thiết kế dựa vào thị hiếu của sự thay đổi để kiếm sống.
Vì vậy, bất kỳ nỗ lực nào để kết hợp nghệ thuật và thời trang sẽ gây ra sự căng thẳng giữa tầm nhìn vĩnh cửu và nhu cầu ngắn hạn. Lấy ví dụ về bộ đôi thời trang rất phù hợp này. Họa tiết “tôm hùm” của Dali có những liên tưởng ngầm, vì vậy váy tôm hùm được một số người cho là gợi dục, vì vậy khi mặc chiếc váy này, một số người sẽ nán lại ý tưởng này.
3. Áp dụng những bức tranh nổi tiếng của các bậc tiền bối vào phong cách thời trang đương đại
Các tác phẩm năm 1966 của ông YSL sử dụng các bức tranh nghệ thuật trừu tượng hình học của Monterian. Nghệ thuật của Monterian cho thấy rằng thế giới phải thoát khỏi sự phụ thuộc ngày càng nhiều vào các đồ dùng một lần. Mặc dù việc YSL định hình lại phong cách nghệ thuật của Mondrian có thể không phù hợp với ý tưởng riêng của nghệ sĩ, nhưng chúng không làm tổn hại đến danh tiếng của nghệ sĩ.
Xét cho cùng, đây là vụ chiếm đoạt tranh của họa sĩ trong bộ sưu tập thu đông năm 1965 của nhà thiết kế thời trang. Trước khi gây chấn động, Mondrian đã qua đời gần 20 năm.
4. Đặt những người trên sân khấu catwalk để tạo ra các nhân vật ảo như lịch sử hoặc tiểu thuyết
“Mẹ của Punk” Vivienne Westwood (Vivienne Westwood) trong show diễn thu đông năm 1994 đã bắt chước các tác phẩm của họa sĩ người Đức Franz (tên đầy đủ là Franz-Xaver Winterhalter Franz-Xaver Winterhalter Franz Xaver Wendelhalt, đã vẽ chân dung của nhiều hoàng gia châu Âu vào giữa thế kỷ 19).
Tác phẩm “Savage Beauty” của Alexander McQueen đã truyền cảm hứng cho khái niệm thời trang thường bị lãng quên như một nghệ thuật hợp lý. McQueen luôn là một nghệ sĩ thời trang, và ông đã kết hợp tinh thần và năng lượng vào những sáng tạo của mình để người mặc tác phẩm của ông trở thành một loại hình nghệ thuật sống động như thật.
Nghệ thuật và thời trang có điểm chung
Cho dù đó là quần áo nghệ thuật hay thời trang cao cấp, chúng đều được phác thảo theo kiểu truyền thống. Cả hai đều được chuyển từ hình vẽ trên giấy sang vải, nhưng tác dụng và mục đích khác nhau. Đồng thời, sự tồn tại của tranh sơn dầu là kết quả của sự tưởng tượng của người nghệ sĩ như là sự thể hiện cuối cùng. Việc thiết kế một tác phẩm thời trang hoàn hảo đòi hỏi phải sử dụng phôi để đặt mô hình, và sau đó sử dụng loại vải chính xác để tạo ra sản phẩm.
Sự tương đồng trong các quá trình này không chỉ được nhìn thấy từ phác thảo các đặc điểm của tranh sơn dầu hiện đại hoặc thời trang đương đại, mà còn giải thích theo cách tại sao các nhà thiết kế thời trang rất gần gũi với các họa sĩ và nhà điêu khắc truyền thống trong việc tạo ra quần áo. Vào thế kỷ 19, những thợ may cao cấp coi mình như những nghệ sĩ thiết kế và phát triển. Khung mà họ thiết kế dựa trên âm nhạc, lịch sử, truyện ngụ ngôn, ý tưởng văn học hoặc phong cách sơn dầu.
Trong thế kỷ 19 đến thế kỷ 20 (trường phái này phản đối văn hóa truyền thống và theo đuổi một chiều tính mới trong hình thức và phong cách nghệ thuật). Sự phát triển tương tự của nghệ thuật và thời trang đã trở nên rõ ràng thông qua các mô hình được chia sẻ và phương thức sản xuất. Và cũng áp dụng thái độ phản ánh đạo đức, biểu hiện đối lập và thương mại hóa.
Ban đầu, một nhóm tương đối nhỏ các thợ may cao cấp vào cuối thế kỷ 19 tiếp tục tự làm mẫu theo phong cách phóng túng nghệ thuật. Từ nhà thiết kế thời trang những năm 1870 Charles Frederick Worth (Charles Frederick Worth, được công nhận trong ngành thời trang là “người khai sinh ra thời trang cao cấp”) và Emile (mile Pingat, một trong ba nhà thiết kế thời trang người Pháp vào nửa sau của thế kỷ 19, giỏi về sự đa dạng Sử dụng các yếu tố văn hóa) đến những năm 1880 John Redfern (John Redfern, một trong những nhà thiết kế đầu tiên sản xuất váy và kẹp hai mảnh tùy chỉnh, nổi tiếng với trang phục hàng ngày được lồng ghép vào phong cách quân đội).
Tất cả đều sử dụng một studio và việc thiết lập một nơi để giải trí cho khách hàng cũng giống như bắt chước môi trường của một studio và phòng triển lãm nghệ thuật tuyệt vời. Căn phòng được trang bị một bộ sưu tập các bức tranh sơn dầu chân dung và những bức tranh treo tường phù hợp, gợi ý rằng mối quan hệ giữa nghệ thuật và thời trang được nhấn mạnh và trích dẫn.
Mặc dù thời trang sử dụng hội họa truyền thống để tạo ra các khung tham chiếu và chất liệu phong cách theo cách văn hóa ngay từ đầu, nghệ thuật ba chiều tập trung vào thời trang trang trí và lấy cảm hứng cấu trúc để nhiều lần tạo ra phong cách như một loại hàng hóa, và sau đó tiếp tục quảng bá nó là “Nguyên bản “.
Sử dụng ý tưởng chủ quan để tuyên bố sự suy tàn của thời trang trong thế kỷ này, chia sẻ sự trang trí phức tạp này giữa tranh và quần áo. Các lĩnh vực thời trang và nghệ thuật được phóng đại một cách nghiêm túc, giống như những bộ thời trang được thiết kế bởi các nhà thiết kế thời trang người Pháp thời kỳ đầu Jacques Doucet và Callot Sisters, chúng đều là những mốt nổi tiếng từ cuối thế kỷ 19 và đầu thế kỷ 20.
Nhà thiết kế, Duce nổi tiếng với phong cách thiết kế vải nhẹ mềm mại và thanh lịch, chị em nhà Carlot đặc biệt thiết kế váy dạ hội, khăn choàng và váy kiểu Nhật cho nữ diễn viên theo phong cách châu Á.
